SFMOMA erwirbt Kapsel vom Nakagin Tower von Kisho Kurokawa

Ich trinke lieber Tee im Prada Caffè bei Harrod's in London. Ich bin Carolina A. Miranda, Kolumnistin für Kunst und Design bei der Los Angeles Times, und stattdessen bin ich in LA und fasse die wichtigsten Kunstnachrichten der Woche zusammen:

Als Abbruchtrupps in Tokio im vergangenen Frühjahr damit begannen, den Nakagin Capsule Tower auseinanderzubrechen, fühlte es sich an wie das Ende eines der merkwürdigeren Experimente der Architektur. Der vom Architekten Kisho Kurokawa entworfene und 1972 fertiggestellte Turm war vielleicht das prominenteste Beispiel der kurzlebigen Stoffwechselbewegung des 20. Jahrhunderts, die darauf abzielte, Gebäude und Megastrukturen zu schaffen, die organischer oder zellulärer sein könnten – Strukturen, die könnte sich bei Bedarf ausdehnen, zusammenziehen oder verändern.

Nakagin bestand aus zwei zentralen 13-stöckigen Servicekernen, an denen 140 vorgefertigte Pods angebracht waren. (Von der Straße aus ähnelte das Gebäude einer riesigen Science-Fiction-Wabe.) Jede dieser Kapseln verfügte über ein Bett, einen ausklappbaren Schreibtisch und einen Kassettenrekorder und wurde an Geschäftsleute vermarktet, die regelmäßig in Tokio übernachteten . Die Idee war, dass Kapseln im Laufe der Jahre ersetzt und modernisiert würden – und dass der Besitzer einer bestimmten Kapsel sie in andere Türme verlegen könnte, die letztendlich gebaut werden könnten.

Zeit und Vernachlässigung kamen jedoch dazwischen. Und dieser skurrile, aber beliebte Turm wurde letztes Jahr abgerissen. (Monatelang habe ich den gesamten Abbauprozess in den sozialen Medien verfolgt.)

Zum Glück ist der Abriss nicht das Ende der Geschichte.

Dem Denkmalpfleger Tatsuyuki Maeda, der das Nakagin Capsule Tower Preservation and Restoration Project leitete und jahrelang tapfer dafür kämpfte, den Abriss zu verhindern, gelang es, 23 Kapseln zu konservieren. (Einige davon wurden im vergangenen Mai vor dem ebenfalls von Kurokawa entworfenen Museum of Modern Art in Saitama ausgestellt.)

Jetzt gibt das San Francisco Museum of Modern Art bekannt, dass es die Capsule A1302 erworben hat, die Kurokawa selbst gehörte. (Der Architekt starb im Jahr 2007.) Die Kapsel reiht sich in die Sammlung des Museums ein in andere wichtige japanische Architekturbestände, darunter Arbeiten von Fumihiko Maki, einer Metabolistenkollegin, deren Firma das Yerba Buena Center for the Arts entworfen hat, das sich direkt gegenüber dem SFMOMA befindet. Das Museum hat außerdem eine Fotoserie von Noritaka Minami gesammelt, die das Leben im Inneren des Turms im Jahrzehnt vor seinem Abriss dokumentiert.

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Jennifer Dunlop Fletcher, Kuratorin für Architektur und Design des SFMOMA, sagt, die Kapsel sei ein großer Erfolg. „Es ist so selten, ein Stück Architektur im Maßstab 1:1 zu sammeln“, sagt sie. Die Größe der Kapseln – nur 104 Quadratmeter – macht eine Ausstellung in einem Museum möglich. „Es passt drinnen und draußen und das ist phänomenal für uns.“

Noch wichtiger ist, dass die Kapsel zu den umfassenderen Sammlungszielen des Museums passt: Architektur, die sich am Konzeptionellen orientiert und „zukunftsorientiert“ ist, erklärt Dunlop Fletcher. „Die Metabolisten passen gut zu Lebbeus Woods und Archigram, die ebenfalls in der Sammlung enthalten sind. ... Aber es ist im Allgemeinen schwierig, Material zum Thema Metabolismus im Angebot zu finden.“

Dunlop Fletcher war schon seit einiger Zeit von dem Gebäude fasziniert. Sie reiste nach Tokio, als der Turm einstürzte, und traf sich mit Maeda und anderen Kapselbesitzern im Gebäude. „Das waren diese interessanten Charaktere, von denen jeder eine Kapsel hatte, und sie mieteten eine Wohnung auf der anderen Straßenseite und kamen jeden Tag zusammen, um zuzusehen, wie das Gebäude abgerissen wurde. Es war eine Reihe von Emotionen für sie. Und es war etwas ganz Besonderes, dass sie eingeladen wurden.“ mich in diesen Raum gebracht. ... Es war eine unglaubliche Erfahrung.

Durch ihre Bemühungen haben Maeda und die anderen dazu beigetragen, die Konzepte, aus denen der Kapselturm entstand, am Leben zu erhalten. Kurokawas Architektur verbindet sich mit einer Vielzahl zeitgenössischer Anliegen: Tiny Homes, Nachhaltigkeit und Dichte. „Können Sie ein Teil davon reparieren, anstatt ein ganzes Gebäude abzureißen?“ fragt Dunlop Fletcher. „Wie leben wir effizienter?“

„Ich mag die nomadische Idee, die Herausforderung, Land zu besitzen“, fügt sie hinzu. „Was wäre, wenn Sie nur Ihren Pod hätten und ihn an diesen oder jenen Kern anschließen könnten?“

Der Abbau des Nakagin-Kapselturms war schmerzhaft anzusehen. (Ich habe eine unerklärliche Vorliebe für das Gebäude, das ich 2019 besichtigt habe.) Aber in gewisser Weise war es auch eine Chance. Eine Kapsel kommt nach San Francisco; andere werden wahrscheinlich an anderen Orten auf der Welt Wirklichkeit werden und dabei Kurokawas Ideen verbreiten.

„Es ist nicht nur die physische Form, an der wir festhalten müssen“, sagt Dunlop Fletcher, „es ist das Konzept.“

SFMOMA hat die Übernahme der Kapsel Ende letzten Monats abgeschlossen; Ein Ausstellungstermin steht noch nicht fest.

„A Transparent Musical“, die von Joey Soloways TV-Serie inspirierte Show über einen Patriarchen, der sich spät im Leben als Transgender outet, feiert seine Weltpremiere im Mark Taper Forum. Der Theaterkritiker der Times, Charles McNulty, fand die Inszenierung mangelhaft. „Wenn mir jemand die Augen verbunden und mich zu dieser Produktion gebracht hätte, wäre ich davon ausgegangen, dass ich den Auftritt einer talentierten und äußerst gut finanzierten Amateurtruppe in einem LGBTQ+-Gemeindezentrum sehen würde.“ Und von da an geht es weiter...

Da an diesem Sonntag die Tony Awards stattfinden, sagt McNulty, dass es an der Zeit ist, einen Preis an eine Schlüsselgruppe des Live-Theaters zu vergeben: das Kernpublikum – das COVID, unzureichende Sanitäranlagen und das Aushöhlung von Konzessionsständen ertragen musste, um den Darstellern auf der Bühne zuzusehen, wie sie zaubern. „Eine besondere Auszeichnung für den treuen Broadway-Theaterbesucher, ohne den die gesamte gefeierte Exzellenz des Jahres so bedeutungslos wäre wie der sprichwörtliche Baum, der in einen Wald fällt, ohne dass jemand da ist, der es hört.“

Im Broad Museum rezensiert der Times-Kunstkritiker Christopher Knight die Ausstellung von Keith Harings Kunstwerken – Arbeiten, die während des Kulturkriegs der 80er Jahre entstanden sind und eine Verbindung zu den Schlachten heute haben. Harings Arbeit, schreibt Knight, deckt ein breites Themenspektrum ab und räumt dem vergnüglichen Spaß einen hohen Stellenwert ein, etwa durch die Verwendung greller Neonfarben, die die kontemplative Stille einer normalerweise ruhigen Kunstgalerie mit der lebendigen Ausgelassenheit einer überfüllten Schwulenbar unterbrechen würden Tanzfläche. Andere waren nüchtern – Bilder, die mit politischer Unterdrückung, der ständigen Bedrohung durch nukleare Vernichtung, der Grausamkeit der Apartheid, der Gier der Reagan-Ära, einem durch Hass der religiösen Rechten angeheizten Kulturkrieg, Apathie gegenüber der explodierenden AIDS-Krise und mehr verbunden waren.“

Der New Yorker Galerist James Fuentes hat letzten Monat einen Raum in Hollywood eröffnet und die Debütausstellung zeigt mehr als ein Dutzend Gemälde des in Philadelphia lebenden Malers Didier William. Ich bin seit einigen Jahren in Gruppenausstellungen auf Williams Arbeit gestoßen und war gespannt auf diese faszinierende Einzelpräsentation. Auf seinen Leinwänden sind häufig gesichtslose, mit Augen bedeckte Figuren sowie grafische Elemente zu sehen, die sich an den spirituellen Traditionen seiner Heimat Haiti orientieren. Es ist in der letzten Woche, verpassen Sie es nicht!

Im Wende Museum in Culver City werden Fotografien von Geoff MacCormack von David Bowies Reisen durch die Sowjetunion aus der Zeit des Kalten Krieges gezeigt. Die Ausstellung fängt eine Reise des Künstlers nach seiner Japanreise im Jahr 1973 ein, als er auf dem Landweg durch die Sowjetunion nach Europa reiste – eine Reise, die eine Woche mit dem Transsibirischen Express beinhaltete. „Diese Ausstellung besteht im Wesentlichen aus Urlaubsschnappschüssen“, sagt Gastkuratorin Olya Sova gegenüber Deborah Vankin von The Times. „Kein David Bowie im Studio, kein Make-up oder Posieren mit Lichtern.“

Der jüngste Pulitzer-Preisträger Rhiannon Giddens ist dieses Jahr Musikdirektor des Ojai Music Festival; Sie spricht mit dem Mitwirkenden Tim Greiving über das Durchbrechen verschiedener Genres in ihrer Arbeit und beim diesjährigen Festival. „Es gibt ein gewisses Maß an Unsicherheit bei einem Programm wie diesem“, sagt sie ihm, „und das ist der Punkt. Es wird Jahre geben, in denen alles ausgeschrieben ist und für jedes Konzert alle Stücke programmiert sind, und sie wurden geübt und.“ alles. Dies ist nicht dieses Jahr. ... Ich denke, jeder wird Momente haben wie: „Ich bin mir nicht sicher, was jetzt passieren wird.“ Aber ich denke, das ist mächtig.“

Reed Johnson von der Times berichtete über die älteste Attraktion im Hollywood Bowl: das jährliche Mariachi USA Festival. Ein Branchenmotto ist, dass Mariachi keine Platten verkauft. Aber wie Johnson zeigt, hat es eine lange Tradition in LA aufrechterhalten.

Wir schreiben das Jahr 1971 und ein aufstrebender Filmregisseur versucht, im Geschäft Fuß zu fassen. Das Geschäft? Billige Grindhouse-Filme, die einen stetigen Strom an Nacktheit und Blut liefern. Der aufstrebende Regisseur ist ein irakischer Jude namens Seymour, der neben seinem alles verschlingenden Job in den unteren Rängen Hollywoods auch mit einer heiklen Ehe und einem neuen Kind zu kämpfen hat. Ich rezensiere Sammy Harkhams neue Graphic Novel „Blood of the Virgin“ – eine faszinierende Geschichte über das LA der 70er-Jahre

Die School of Architecture, die jahrzehntelang in Taliesin außerhalb von Phoenix ansässig war, zog während der Pandemie nach Paolo Soleris Arcosanti, ebenfalls in Arizona. Sam Lubell von Metropolis hat nachgeschaut, um zu sehen, wie es läuft. „Mit sechs Semestern in den Büchern (darunter ein paar, die durch die Pandemie sehr kompliziert wurden)“, schreibt er, „scheint TSOA in seiner neuen Heimat zu gedeihen.“

Mein Kollege Steven Vargas hat seine Liste mit Kulturtipps für die Woche, darunter die Wiederaufnahme des mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichneten „A Soldier's Play“ in der Centre Theatre Group.

Außerdem hat Matt Cooper alle größeren Ereignisse in LA im Pride-Monat im Programm.

Tim Griffin wurde zum Geschäftsführer der experimentellen Opernkompanie The Industry ernannt. Als Redakteur bei Artforum fungierte er kürzlich auch als Geschäftsführer des experimentellen New Yorker Kunstraums The Kitchen.

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Selena Preciado wurde zur neuen Kuratorin und Programmdirektorin von Los Angeles Contemporary Exhibitions ernannt. Sie kommt von der Getty Foundation zur Organisation, wo sie das Getty Marrow Undergraduate Internship Program leitete und die Pacific Standard Time-Initiative unterstützte.

Robert W. Lovelace, ein leitender Angestellter der Capital Group, wurde zum Vorsitzenden des J. Paul Getty Trust ernannt.

Der Künstler Jim Melchert, der elegante, konzeptionelle Arbeiten in verschiedenen Medien schuf und Generationen von Studenten an der UC Berkeley als beliebter Mentor diente, ist im Alter von 92 Jahren gestorben. Autorin Sharon Mizota würdigt ihren ehemaligen Lehrer: „Es war in Jims Klasse.“ dass ich zum ersten Mal die Ahnung verspürte, dass es beim Künstlersein um mehr geht, als sich einfach nur auszudrücken. Es ging auch darum, aufmerksam zu sein – genau und neugierig hinzuschauen – und offen dafür zu sein, wohin es einen führen könnte.“

Robin Wagner, ein Broadway-Bühnenbildner, der die Bühnenbilder von „A Chorus Line“, „Angels in America“, „Hair“ und vielen mehr entworfen hat, ist im Alter von 89 Jahren gestorben. Wagner, wie Autorin Barbara Isenberg in seinem Nachruf schreibt, nie offiziell studierte Theaterdesign. Stattdessen sagte er einmal: „Ich wurde von Regisseuren unterrichtet.“

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